Πριν λίγες μέρες στις 25 Σεπτεμβρίου πέθανε η μεγάλη Πορτογαλέζα καλλιτέχνης και φωτογράφος Helena Almeida. Γεννήθηκε στη Λισαβόνα το 1934 και είναι κόρη του γλύπτη Leopoldo de Almeida.
"Η δουλειά μου είναι το σώμα μου, το σώμα μου είναι το έργο μου" δηλώνει στο εξώφυλλο ενός καταλόγου που συνοδεύει την έκθεση "Corpus", που παρουσιάστηκε στο μουσείο Jeu Paume στο Παρίσι τον Μάιο του 2016. Σε αυτή την έκθεση παρουσίασε τους πρώιμους αποσυναρμολογημένους καμβάδες της από τα τέλη της δεκαετίας του 1960 μέχρι τα πιο πρόσφατα βίντεο της δεκαετίας του 1990 και μια εικόνα που έγινε το 2012. Η ίδια είναι το θέμα των φωτογραφιών της όσο και σκηνοθέτης των πλάνων της. Ο σύζυγός της ήταν ο συνεργάτης της που ακόμα και όταν τραβούσε αυτός τις εικόνες, το έργο πιστώνεται σε αυτήν.
Η Almeida παρουσίασε τα έργα της για πρώτη φορά το 1967. Σε αυτή την έκθεση πρωτοστάτησε η χρήση τρισδιάστατων στοιχείων. Η χρήση των πολλών επιπέδων επιστρέφει συχνά και στα πιο πρόσφατα έργα της. Ήθελε τη δουλειά της να αποδρά από τον καμβά και να προκαλεί στον θεατή.
"Έχετε την αίσθηση ότι πρόκειται για ένα συνεχιζόμενο, τεντωμένο είδος ταινίας", λέει ο συν-επιμελητής João Ribas, αναπληρωτής διευθυντής του Ιδρύματος Serralves για τη σύγχρονη τέχνη στο Πόρτο. Η κινηματογραφική φύση της σειράς της μπορεί να θυμίζει τον Eadweard Muybridge, ο οποίος έγινε διάσημος για την πρωτοποριακή του ανακάλυψη σχετικά με τον τρόπο ανάλυσης και σύνθεσης της κίνησης δια μέσου της κάμερας. Είναι θαυμάσιο να βλέπεις την ηλικία της γυναίκας μέσα στο έργο της, μεταφέροντας στον θεατή "την εμπειρία που υπάρχει στο σώμα με την πάροδο του χρόνου", σημειώνει ο Ribas. «Είναι σπάνιο να βλέπεις αλλαγή σώματος σε διάρκεια 50 χρόνων»
Από την αρχή της καριέρας της, η Almeida ανέτρεψε τις επίπεδες μορφές έκφρασης και αφιερώθηκε στα όρια της ζωγραφικής και της φωτογραφίας με απροσδόκητα βάθη.
Το 1969 η Almeida καθόρισε μια νέα πτυχή της δουλειάς της, την επιθυμία για αυτοπροσωποποίηση, σε μια έκθεση που αποτέλεσε τη βάση της μελλοντικής της εργασίας. Έκθεσε μια ασπρόμαυρη φωτογραφία του εαυτού της φορώντας καμβά με τα χέρια απλωμένα και κοιτάζοντας προς τα κάτω - όπως στον Χριστό που φέρει το σταυρό. Αυτή η φωτογραφία επιβεβαίωσε την πίστη της στην "ταυτοποίηση του εαυτού της με το έργο της". Δείχνει ότι παραιτείται από τον καμβά συνολικά, καθώς περπατά προς τα σύνορα του πλαισίου. Αντ 'αυτού, χρησιμοποιεί το δικό της σώμα ως κύριο εργαλείο και μέσο έκφρασης. Αυτό έγινε ένα συνεχές θέμα έρευνας στο έργο της: δεν υπάρχει διαφορά μεταξύ του έργου και του σώματος του καλλιτέχνη. Στο έργο της, η εικόνα μιας γυναίκας είναι πάντα παρούσα, αλλά η εικόνα μετατρέπεται σε ζωγραφική. Η Almeida αποφεύγει τη δημιουργία αυτοπροσωπογραφιών. Η δουλειά της έχει περιγράφει ως "στα μισά της διαδρομής ανάμεσα σε μια παράσταση (σύλληψη μιας στιγμής) και στην τέχνη του σώματος (το ίδιο το σώμα ως απόλυτος πρωταγωνιστής)".
Το 1975, η Almeida χρησιμοποιεί, τη φωτογραφία, τη ζωγραφική και το σχέδιο μαζί. Το σχέδιο απεικονίζεται από τα νήματα της τρίχας, η ζωγραφική σε τρία χρώματα - μπλε ή κόκκινο μερικές φορές μαύρο και η φωτογραφία χρησιμεύει ως μετα-αφήγηση.
Πειραματίστηκε με διαφορετικά εκφραστικά μέσα, απο τον κινηματογράφο, την ζωγραφική, το κόμιξ, και την φωτογραφία, έως την γλυπτική και αρχιτεκτονική.
Έκανε παρεμβάσεις με στρώσεις χρωμάτων πάνω στις φωτογραφίες, παίζοντας με τεχνάσματα, με την προοπτική και δημιουργώντας πολλαπλά στρώματα από φανταστικούς ορίζοντες. Στη σειρά "Pintura Habitada" του 1975, οι ασπρόμαυρες εικόνες της είναι όμορφα "παραμορφωμένες" με λαμπερή ακρυλική βαφή: κυριολεκτικά, ζωγραφίζει πάνω από τη δική της εικόνα, μερικές φορές ''εξολοθρεύοντας'' τον εαυτό της σχεδόν εντελώς και αμαυρώνει κάθε σταθερή έννοια μιας αποφασιστικής στιγμής.
Στο "Estudo Para um Enriquecimento Interior" (1977-1978), βάφει με μπλε πάνω από το δεξί της μάτι ή ρίχνει ένα μπλε χείμαρρο έξω από το στόμα της.
Η δουλειά της Almeida παρουσιάζεται στην Tate Modern του Λονδίνου, στο Μουσείο Τέχνης της Νέας Υόρκης, στο Museu d'Art Contemporary de Barcelona και επίσης στην πατρίδα της στη Λισαβόνα.